Una sesión fotográfica para una revista, un desfile de moda, una campaña publicitaria, un videoclip, el catálogo de una tienda de ropa online... Las cuidadas imágenes creadas por la industria global de la moda parecen hechas sin esfuerzo. Sin embargo, son la culminación de un proceso creativo largo y complejo realizado entre bambalinas por un equipo de profesionales en cuyo centro se encuentra el estilista de moda.
El estilista de moda es el creativo que colabora con el cliente, el fotógrafo, el editor o el director artístico para idear y materializar un look o un concepto visual. Es quien se encarga de elaborar presupuestos, investigar y planificar la imagen que desea el cliente, conseguir y gestionar la ropa, los zapatos, las joyas y acce¬sorios para una sesión, hacer los retoques de última hora, atender a todo tipo de imprevistos… Es, en definitiva, la pieza clave que da forma a un concepto estilístico y ejecuta su puesta en producción.
Pero ¿cómo se llega a ser estilista de moda? ¿En qué consiste exactamente este trabajo? Este libro es una guía práctica paso a paso que cuenta cómo llegar a ser estilista de moda. Desde los conceptos y prácticas generales de la profesión hasta todo tipo de consejos útiles y problemas inimaginables. ¿Cómo se consiguen las prendas de ropa en préstamo? ¿En qué sectores puede trabajar un estilista de moda? ¿Cómo se factura a los clientes?¿Cómo elaborar un portfolio de estilista? ¿Cuáles son aquellas cosas que jamás deberías olvidarte de llevar a una sesión?
Danielle Griffiths nos introduce en esta profesión con un manual sencillo y directo, repleto de imágenes tomadas entre bastidores y de acertadas entrevistas a estilistas y profesionales clave del mundo de la moda. El punto de partida idóneo para introducirse en una de las carreras más populares y ambicionadas del sector.

El andar es un acto cognitivo y creativo capaz de transformar simbólica y físicamente tanto el espacio natural como el antrópico. Este libro narra una historia de la percepción del paisaje a través del acto de caminar: del nomadismo primitivo a las vanguardias artísticas de principios siglo XX, de la Internacional Letrista a la Internacional Situacionista, del minimalismo al land art, Francesco Careri repasa algunas de las propuestas históricas que han concebido el acto de deambular no sólo como una herramienta de configuración del paisaje, sino como una forma de arte autónoma, un instrumento estético de conocimiento y modificación física del espacio atravesado que pasa a convertirse en intervención urbana.
Esta nueva edición actualizada del clásico de Careri incorpora un epílogo del propio autor donde hace un balance de la trayectoria del libro desde que fuera publicado por primera vez en 2002.

Menos es más. Así reza la máxima más célebre del movimiento moderno. Pero, ¿es realmente así? En una época en la que incesantemente se nos insta a hacer “más con menos”, ¿podemos seguir romantizando las pretensiones del minimalismo? Para Pier Vittorio Aureli, la vindicación del “chic austero” es una perversión de lo que debería ser, en realidad, una forma de vida dotada de pleno sentido. Rastreando el florecimiento del ascetismo en la primera era cristiana y su institucionalización a través de los monasterios medievales, Aureli examina cómo la unidad básica de la vida en reclusión —la célula monacal— se convirtió en el cimiento de la propiedad privada y en el origen de todos nuestros males. En el tardocapitalismo, el ascetismo se ha visto completamente estetizado y se manifiesta en el estilo de vida monacal de Steve Jobs, en el aura contenida de Apple o en la existencia de monasterios inspirados por tiendas de Calvin Klein. Entre toda esta hipocresía, ¿es posible recuperar la idea de “menos” como alternativa radical, como el primer paso para vivir la vida examinada?

Este libro es una guía práctica y sintética para pensar y redactar los proyectos de arquitectura y urbanismo desde la perspectiva de la sostenibilidad medioambiental. Por medio de 69 preguntas y respuestas relativas al emplazamiento, la definición del programa y las distintas fases del proyecto, Pequeño manual del proyecto sostenible pone sobre la mesa las cuestiones esenciales para que un edificio responda de modo eficiente a las premisas básicas de la sostenibilidad.
Una orientación clara y directa para que estudiantes y profesionales planteen soluciones sostenibles a lo largo del proyecto, desde los primeros bocetos hasta la elección de los materiales.

Edición bilingüe Español / English
Textos: Christoph Van Gerreway, Johanna Meyer-Grohbrügge, Moritz Küng, Sam Chermayeff, Tony Fretton
architecten de vylder vinck taillieu cuentan con una sólida obra construida que abarca desde reformas de viviendas y casas unifamiliares hasta edificios públicos e institucionales. El estudio formado por Jan De Vylder (1968), Inge Vinck (1973) y Jo Taillieu (1971) pertenece a la nueva generación de arquitectos belgas que, junto a OFFICE Kersten Geers David Van Severen (2G63) y 51N4E, ha supuesto un cambio generacional en la arquitectura belga, una de las arquitecturas nacionales más interesantes del panorama actual.
Se hicieron conocidos internacionalmente a partir de diversas reformas realizadas casi en su totalidad en la ciudad flamenca de Gante: la galería Verzameld Werk, la tienda Twiggy, o las casas 43, Rot-Ellen-Berg y Rampelken. Su obra combina sabiamente el respeto por las preexistencias con una manera lírica de entender la arquitectura como bricolaje, como una construcción dentro de construcciones en una especie de juego de muñecas rusas. En sus proyectos se producen extraños juegos de transparencia, de reflejo (mediante el uso de materiales reflectantes), de ironía (con el uso de materiales y técnicas locales), de ilusiones ópticas, de duplicación y copia de edificios existentes... y todo ello deriva en una arquitectura extremadamente personal.
La presente monografía cuenta con un prólogo de Tony Fretton y textos del crítico de arquitectura belga Christoph Van Gerreway, del comisario y crítico suizo Moritz Küng y de los arquitectos Johanna Meyer-Grohbrügge y Sam Chermayeff. La sección final nexus incluye tres ensayos escritos por los propios vylder vinck taillieu en los que reflexionan sobre algunos de los temas e intereses recurrentes en su arquitectura.

El PREVI (Proyecto Experimental de Vivienda) de Lima, gestado en 1967, constituye uno de los experimentos construidos de vivienda social más ambiciosos, no sólo por la cantidad de variables planteadas, sino también porque reunió de forma inédita a singulares personalidades del panorama arquitectónico de la época, como Aldo van Eyck, Charles Correa, James Stirling, Christopher Alexander, Atelier 5, Fumihiko Maki, Candilis, Josic y Woods, entre otros. Juntos debatieron, con sus propuestas de vivienda progresiva de baja densidad, diversas formas de hacer ciudad en un contexto de recursos limitados y urbanización urgente.
Este estudio sobre la propuesta del PREVI después de más de tres décadas no pretende sólo el rescate de la obra original a partir de un planteamiento arqueológico que ponga en valor la obra de autor escondida tras las constantes intervenciones por parte de sus habitantes, sino poner en tela de juicio la idea de vivienda como solución habitacional, el papel del arquitecto en el proceso y los elementos de diseño con recursos escasos. Pretende, asimismo, rescatar la idea de unidades vecinales, la relación entre espacio público y comunidad, los valores y posibilidades de un urbanismo más abierto y las diferentes estructuras familiares frente a la actual estandarización del usuario.

“No ha habido santo, ni papa, ni general, ni sultán que tuviera el poder de un director de cine: el poder de hablarles a millones de personas durante dos horas en la oscuridad.” Frank Capra lo tenía claro al pronunciar estas palabras: el poder y la habilidad de los profesionales del cine para influir en las masas son ilimitados.
Palabra de cineasta es un colorido compendio de citas de los más influyentes y elocuentes creadores del séptimo arte que, combinados como quien empareja a los invitados de una cena, saben dar espectáculo, se desafían, se piropean unos a otros y desenmascaran con lucidez todos y cada uno de los pasos del proceso cinematográfico.
Esta colección de máximas y reflexiones deleitará a profesionales y a amantes del cine por igual y se convertirá en el regalo perfecto para cualquiera que alguna vez haya soñado con gritar la palabra “¡acción!” o que siempre esté esperando el momento en que las luces se apaguen y suba el telón.

Apabullada por la tecnología digital y desplazada de sus funciones esenciales, la fotografía se ha convertido en otra cosa. Frente al desconcierto o la ceguera, Joan Fontcuberta desgrana aquí lo que queda: los restos de la autenticidad, los restos de lo documental, los restos de unos valores que hicieron que la fotografía moldeara la mirada moderna y contribuyera a nuestra felicidad.
Fiel al principio de que una fotografía vale más que mil mentiras, Fontcuberta elucida la naturaleza de la nueva fotografía (digital) y sus extravíos. De ahí derivan reflexiones críticas y evocaciones poéticas que rastrean los empeños de una posmoderna cámara de Pandora que ya no se limita a describir nuestro entorno sino que ambiciona poner orden y transparencia en los sentimientos, la memoria y la vida. El arte de la luz aspira ahora a ser el arte de la lucidez.
Esta es una nueva edición en rústica de la selección de dieciséis escritos que mereció el Premio Nacional de Ensayo 2011 concedido por el Ministerio de Cultura del gobierno español.

Transcurriendo en paralelo a las rupturas estéticas de las vanguardias artísticas de principios del siglo XX, el cine experimental investiga el potencial del medio cinematográfico a través de sus posibilidades formales y su trasfondo crítico. Estas prácticas fílmicas interrogan las imágenes y los sonidos tecnológicos vindicando un espíritu autodidacta, narraciones atípicas, formulaciones abstractas y temporalidades inusitadas. Radicales libres analiza cincuenta obras fundamentales que constatan el desarrollo de la experimentación desde la década de los años 20 hasta la actualidad. De la sinestesia de la música visual a la transgresión del surrealismo; del vigor autobiográfico del cine lírico al reciclaje matérico del found footage; del minimalismo del structural film a la irradiación del expanded cinema; del discurso metafílmico del cine-ensayo a la pausa del documental contemplativo y del elogio fotoquímico del celuloide al cine de artistas en el cubo blanco. Libertad y radicalidad fundamentadas de modo cinemático.

Robert Desnos nació cinco años después de que el cinematógrafo iniciara su andadura y de entrada se entusiasmó por ese nuevo modo de expresión. Fue tal su afición que participó en el séptimo arte por partida doble. Primero, escribió sobre cine: reseñas de películas, estudios de obras de cineastas, así como artículos sobre problemáticas extrínsecas a las propias películas (entre 1923 y 1930 entregó más de ochenta trabajos). Y además escribió para cine. Desnos es autor de unos veinte cinetextos —de los cuales solo cuatro se publicaron en vida, entre 1925 y 1933— que plasman lo que anhelaba ver en las pantallas de las salas oscuras. El presente volumen aclara la relación apasionada y fructífera que mantuvo Robert Desnos con el cine.
Esta obra ha sido coeditada con PUZ.

El cine de superhéroes está viviendo uno de sus mejores momentos desde el punto de vista industrial. La fascinación que las películas del subgénero producen en tantas personas seguramente esté vinculada al nivel de identificación del público con las diferentes manifestaciones del superhéroe. Esta realidad reclama una reflexión en el campo de la antropología filosófica.
Los superhéroes del cine, por su carácter mítico, encarnan una cierta imagen de heroísmo, es decir, de humanismo: el personaje de Hal Jordan/Linterna Verde nos habla de la fuerza de voluntad como la única garantía de éxito; Peter Parker/Spider-Man muestra la imposibilidad del hombre posmoderno para mantener relaciones personales de calidad; Tony Stark/Iron Man es el paradigma de la superioridad que reconocemos a las personas que gozan de poderío tecnológico; el gran Logan/Lobezno es el paradigma de cómo la pérdida de la memoria abre la puerta a la crisis de identidad. Cada superhéroe pone énfasis en un aspecto que explica la realidad e imagen del hombre posmoderno en nuestros días.
El antifaz transparente quiere abordar, a través de las reflexiones de un grupo de especialistas, cuáles son las cuestiones antropológicas nucleares de la mitología del superhéroe cinematográfico. 
«Los superhéroes se ocultan. O, mejor dicho: se exhiben en apariencia irreconocible. Interponen una máscara entre ellos y nosotros para mantener su secreto. Esperamos que estas páginas ayuden a transparentar ese antifaz y conocer la verdad de la mitología del superhéroe en el cine, para que estos sujetos nos permitan comprender un poco mejor al hombre de nuestra época». (De la introducción del libro).

Antoni Tàpies was born in Barcelona in 1923 and started painting in 1946. Co-founder of the Dau al Set movement, he met Miro in 1948. After being involved in the Surrealist period, Tàpies became interested in philosophy and oriental art, in particular calligraphy. From the time of 1953 onwards, he detached himself from Surrealism and began to work in abstract with raw materials, stains, and symbols. In 1970, his torn and scratched compositions expressed an attitude of protest. His works have been described as “battlefields where wounds are multiplied to infinite numbers”, evoking a true reflection of a broken and anguished world. Tàpies was not a subject painter and his works are not just graffiti, tracings, prints, and glyphs. As if they were metaphysical walls, he liked to say that they were all built from dust, ash, soil, the destruction of catastrophe, cosmic contemplation, and inner meditation. Tàpies desired to express two primary concerns through his art, the first being his homeland, Catalonia, from which he was long distanced, taking refuge in Paris. The second was the human being. This was evoked in his art through the body, and through the everyday objects which surround it. Antoni Tàpies was part of the very exclusive circle of contemporary artists whose lives Spain has honoured by creating museums and institutions in their names (Dali, Miro, Tàpies).