Joseph Mallord William Turner (Londres, 1775 – 1851) A 15 ans, Turner exposait déjà une Vue de Lambeth. Il acquit très tôt la réputation d'un aquarelliste extrêmement habile. Disciple de Girtin et de Cozens, il montra par son choix et la façon de présenter ses thèmes une imagination pittoresque qui semblait le destiner à une brillante carrière d'illustrateur. Il voyagea, d'abord dans son pays natal et puis, à plusieurs occasions, en France, dans la vallée du Rhin, en Suisse et en Italie. Son intérêt commença toutefois à dépasser le cadre de l'illustration : l'idéal du paysage lyrique, dominant et inspirateur, se faisait jour, même dans des oeuvres où nous sommes tentés de ne voir rien d'autre qu'une imagination pittoresque. Son choix d'un unique maître du passé est éloquent, étudiant en profondeur toutes les toiles du Lorrain qu'il put trouver en Angleterre, les copiant et les imitant avec une extraordinaire perfection. Il ne se départit jamais de son culte pour le grand peintre. Il voulut que son Lever du soleil à travers la vapeur soit placé à la National Gallery aux côtés de deux chefs-d'oeuvre du Lorrain ; et c'est là que nous pouvons les y voir et juger du bien-fondé de ce fier et splendide hommage. Ce n'est qu'en 1819 que Turner se rendit en Italie, pour y retourner en 1829 et 1840. Sans aucun doute, Turner y ressentit des émotions et y trouva des sujets de rêverie qu'il transcrivit plus tard, dans les termes de son propre génie, en symphonies de lumière et de couleurs. La logique de la raison ne compte pas aux yeux de cette imagination nordique. Mais aucun Latin n'aurait possédé cette autre logique, monstrueuse à son goût, propre à l'Anglais consumé par un rêve solitaire et royal, indéfinissable et plein de merveilles, qui lui permettait d'abolir les frontières entre la vie (même la sienne) et les images qu'il créait. Le rêve du Latin, qu'il soit vénitien ou français, est un rêve de bonheur, à la fois héroïque et humain. L'ardeur y est tempérée par la mélancolie, et l'ombre y lutte avec la lumière. La mélancolie, même sous la forme où elle apparaît dans la création énigmatique et profonde d'Albrecht Dürer, n'a pas sa place dans le monde féerique et changeant de Turner : quelle place aurait-elle dans un rêve cosmique ? L'humanité est absente, sauf peut-être sous la forme de personnages de théâtre que nous regardons à peine. Une peinture de Turner nous fascine, et pourtant nous ne pensons à rien de précis, rien d'humain ; seulement à des couleurs inoubliables et aux spectres qui hantent nos imaginations. En réalité, l'humanité ne l'inspire que lorsqu'elle est liée à l'idée de mort, mais d'une mort étrange, une dissolution lyrique – comme le finale d'un opéra.

Hieronymus Bosch was painting terrifying, yet strangely likeable, monsters, long before computer games were invented, often with a touch of humour. His works are assertive statements about the mental dangers that befall those who abandon the teachings of Christ. With a life that spanned from 1450 to 1516, Bosch was born at the height of the Renaissance and witnessed its wars of religion. Medieval traditions and values were crumbling, thrusting man into a new universe where faith had lost some of its power and much of its magic. Bosch set out to warn doubters of the perils awaiting all and any who lost their faith in God. Believing that everyone had to make their own moral choices, he focused on themes of hell, heaven and lust. He brilliantly exploited the symbolism of a wide range of fruits and plants to lend sexual overtones to his themes.

Si Maggie golpea a Homero con un mazo y lo deja inconsciente en el sótano, estamos ante un caso claro del Efecto Tomy y Daly. En su condena a la violencia psicopática de las caricaturas, Marge se une a una larga tradición de científicos que han señalado los efectos negativos de la televisión en los niños, que se extienden a la adquisición de malos hábitos alimenticios y de consumo temprano de alcohol, así como al reforzamiento de estereotipos del macho dominante vs. la hembra sumisa. Sin embargo, una faceta no tan conocida de la investigación sobre las caricaturas nos lleva a un mundo de neurólogos diagnosticando los desórdenes mentales de los personajes de Winnie Pooh; de ingenieros identificando las leyes físicas de El Coyote y el Correcaminos; a la existencia de un oncogén conocido como Pokémon, y de neuropsicólogos que al estudiar la tristeza y alegría que generan Remi y Heidi  son capaces de programar una computadora afectiva. Los Picapiedra, Scooby Doo, Bob Esponja, Padre de Familia, Pokémon, Las Chicas Superpoderosas, Las Tortugas Ninja, Pinky y Cerebro, Phineas y Ferb, Taz Mania, Los Simpson, Jimmy Neutrón, Peabody y Sherman, Tiny Toons, He-Man y los Amos del Universo, Los pingüinos de Madagascar... son fuente de inspiración para la comunidad científica y terreno fértil para la experimentación. Es este libro de Luis Javier Plata un aleccionador recorrido de cómo siempre hay ciencia detrás de las caricaturas.

Since the dawn of Christianity, artists have been fascinated and stirred by the figure of Christ. His likeness appears in frescoes on the walls of catacombs that date from Roman times; he is featured in the stained glass windows of Gothic churches; and he can be found in various forms in today’s pop culture. The Biblical Saviour is not a static, immaterial deity: Christ’s mortal birth, unusual life and dramatic death make him an accessible subject for religious and secular artists alike.Whether they show the spirituality of God Incarnate or the earthly characteristics of a flesh-and-blood man, artistic depictions of Christ are the most controversial, moving or inspirational examples of religious art. This richly illustrated book explores the various ways that Christ is rendered in art, from Cimabue’s Nativity scenes and Fra Angelico’s paintings of the Crucifixion to the provocative portraits of Salvador Dalí and Andres Serrano. Author Joseph Lewis French guides the reader through the most iconic representations of Christ in art - tender or graphic, classical or bizarre, these images of the Messiah reveal the diverse roles of the Son of God in the social milieus and personal lives of the artists.

En un ballet, el pas de deux casi siempre es el momento dramático y a la vez lírico en que se produce el nudo o el desenlace de la acción, o el juego del amor y de la muerte, que es la base de toda dramaturgia. El pas de deux alcanza el punto culminante y nos dirige hacia el desenlace. Esta obra aporta un completo estudio de esta técnica para la mayoría de los bailarines que están en la última etapa de su formación profesional, para los que se inician e incluso para los más avanzados. La belleza y originalidad de los clichés, que ponen de relieve movimientos cruciales pocas veces perceptibles para el público cuando los portés se ejecutan con virtuosismo, hacen de esta guía pedagógica un libro único y una bella obra. A fin de facilitar la lectura y aportar una ayuda para el análisis personal de la cinemática, se ilustran las principales fases del porté: el impulso, el punto de contacto (para la subida), el ascenso, el punto más alto de la subida, la sujeción, el descenso y la recogida en los brazos del portor o en el suelo, las diferentes formas de sujeción se describen en detalle.<br />&gt;Asimismo, los patinadores artísticos, bailarines acrobáticos en dúo y los deportistas que practican el surf tándem encontrarán muchas similitudes con la disciplina que aquí se expone para los bailarines. Gilbert Serres, bailarín solista, maestro de ballet y coreógrafo en grandes compañías entre 1963 y 1978. Enseña la danza clásica y la técnica del pas de deux a aficionados y profesionales. Su rica experiencia, sus talentos de pedagogo y la originalidad de sus clases gozan de prestigio en centros como la Escuela Real de Ballet de Amberes y la Academia de Danza de la Universidad Fontys, en Tilburg, Países Bajos. Autor de obras pedagógicas, imparte con regularidad cursillos de pas de deux en varias escuelas de Bélgica, Holanda y Francia, en particular en la Escuela de Danza de la Ópera de París.

¿Alguna vez has soñado con dirigir una película? ¡Ahora puedes rodarla con tu teléfono!
Te contamos en 39 pasos cómo hacer tu propio film. Ya sea para un largometraje o para un clip de Youtube, con esta genial guía, amena y directa, las técnicas del séptimo arte dejarán de ser un secreto para ti.
Preparación: el storyboard, el presupuesto, el equipo, las localizaciones, los ensayos… antes de lanzarte a rodar, que no se te escape nada de los preparativos.
Rodaje: los formatos, la composición, las tomas maestras, el movimiento, el zoom, rodar de noche, grabar diálogos… cada tipo de escena requiere una técnica y te contamos sus claves y trucos fundamentales.
Posproducción: ¿sabías que antes de editar tu película hay que hacer un montón de cosas? Descubre todas las tareas y secretos de la posproducción.
¡Y todo ello salpicado con citas y consejos de Hitchcock, Kubrick, Tarantino y los más destacados maestros del cine! Lánzate a crear tu propia película e invítanos al estreno ;-)

Edición bilingüe Español / English
Textos: Adolf Krischanitz, Mario Carpo
E2A es un estudio de arquitectura fundado en 2001 por los hermanos Piet y Wim Eckert en Zúrich. En un país como Suiza, con una excelente cultura arquitectónica que ha dado lugar a estudios como Herzog & de Meuron, Peter Märkli o Peter Zumthor, una nueva generación de arquitectos está produciendo un salto cualitativo; a pesar de continuar en parte la larga tradición de la arquitectura suiza contemporánea —una construcción de alta calidad, una preocupación por la materialidad de los proyectos y cierto conservadurismo en el manejo de los programas—, los hermanos Eckert han sido capaces de introducir variables insólitas en su contexto. Fruto quizás de haber trabajado un tiempo en el estudio de Rem Koolhaas, conjugan lo mejor de la (a veces) ensimismada tradición suiza con la complejidad de las metrópolis contemporáneas.
El estudio E2A trabaja desde y en Zúrich, la capital económica del país, que les ofrece todo tipo de escalas de programa, desde las viviendas unifamiliares, pequeños grupos residenciales o edificios institucionales hasta proyectos de escala urbana, como la torre de viviendas Escher Terraces, el proyecto para Europaallee o la diaconía de Bethanien. Su obra ya ha traspasado las fronteras nacionales, y en estos momentos están desarrollando diversos proyectos institucionales y corporativos en Alemania, entre los que destaca la sede de la Heinrich Böll Stiftung construida en Berlín.
La selección de obras y proyectos del estudio en este número de la 2G viene precedida por dos introducciones, una del arquitecto austriaco Adolf Krischanitz, donde se habla del trabajo con las maquetas, y otra del crítico italiano Mario Carpo en la que se pone su obra en el contexto suizo. La sección nexus incluye un novedoso proyecto de investigación docente sobre la ciudad, titulado “Una ciudad paralela”, que los propios Eckert han llevado a cabo en la HafenCity Universität de Hamburgo.

Hay fotografías que no se toman, sino que se hacen, se construyen deliberadamente en un proceso creativo donde tan importante es la conceptualización y la intencionalidad del proyecto como el conocimiento y el ejercicio del medio fotográfico.
Este libro es un manual práctico para conocer el proceso de creación de una fotografía o una serie fotográfica desde su planificación y desarrollo hasta la realización y la difusión del resultado. Con el proceso creativo como hilo conductor, el libro explora una amplia variedad de prácticas fotográficas, que incluyen retratos, paisajes, bodegones y fotografías abstractas, así como técnicas específicas como la fotografía escenificada y el fotomontaje. Numerosos trabajos fotográficos históricos y contemporáneos, y acertados ejercicios prácticos acompañan a las explicaciones más teóricas, siempre sencillas y claras. Una guía práctica y visual que nos introduce de forma directa y accesible a los aspectos clave de la significación, la composición visual y la técnica fotográficas, y nos ofrece los conocimientos necesarios para tomar decisiones bien fundamentadas en un proyecto de creación fotográfico.

Érase una vez un mundo en el que la comunicación funcionaba solo en una dirección. Cada día, marcas e instituciones se limitaban a repetir su mensaje muchas veces. Pero entonces, llegó un tsunami digital, arrasó aquel mundo, y el público empezó a decidir cómo y cuándo deseaba recibir la información. Por ese motivo, las marcas tuvieron que reinventar completamente sus estrategias de comunicación. Hasta que un día, apareció el storytelling como una metodología perfectamente adaptada al nuevo contexto. Desde entonces, la comunicación de marcas e instituciones ya no volvería a ser nunca más la simple emisión unilateral de un mensaje. Se convirtió en una forma de tejer un vínculo más complejo y más rico con los usuarios.
Las historias nos emocionan, nos inquietan, permanecen en nuestra memoria y reaparecen para influirnos cuando tenemos que actuar. Este libro desgrana el arte del storytelling como técnica de comunicación y lo aborda en todas sus dimensiones —vivencial, cultural, racional— para que comprendamos bien sus mecanismos de funcionamiento y logremos transmitir eficazmente mensajes en forma de narración.
Guillaume Lamarre nos lo cuenta todo sobre las historias: su relación con las marcas, sus características fundamentales, su estructura y elementos básicos… a través de la combinación de ejemplos de la cultura popular, campañas de comunicación, explicaciones teóricas, ejercicios prácticos y entrevistas a grandes narradores de nuestro tiempo. Un manual necesario, en definitiva, para hacer que una marca comunique cosas, lanzar acertadamente un producto al mercado o presentar un proyecto de forma convincente.

Este no es un libro sobre fuentes. Es un libro sobre cómo utilizarlas. Este libro trata de pensar con la tipografía. La tipografía es una herramienta con la que podemos dotar al lenguaje de un cuerpo físico, dar una forma concreta al contenido y posibilitar el flujo social de mensajes. Este libro pretende hablar con los lectores y escritores, diseñadores y editores, profesores y estudiantes cuyo trabajo esté relacionado con la impredecible vida de la palabra escrita. Desde la rigidez que imponía el trabajo con los tipos de imprenta físicos, de metal o madera, hasta la flexibilidad que ofrece el medio digital, el texto ha evolucionado desde un cuerpo cerrado y estable hacia un ecosistema fluido y abierto cuyos atributos, grano, color, densidad y silueta, pueden ajustarse de maneras infinitas. Pensar con tipos aborda las cuestiones culturales y teóricas que alimentan el diseño tipográfico.
El libro está dividido en tres secciones: letra, texto y retícula. Partiendo de la unidad básica que es la letra, aborda después las particularidades de la organización de las palabras en cuerpos de texto coherentes y sistemas flexibles. Los proyectos de muestra y los ejercicios prácticos que se incluyen, explican no solo cómo se estructura la tipografía, sino por qué se hace así, con la intención de desvelar las bases funcionales y culturales que residen tras las convenciones del diseño.
Pensar con tipos es un recurso inestimable para todos aquellos que alguna vez han tenido que atravesar el territorio abismal de la página en blanco y se han visto asediados por las preguntas ¿qué tipo usar?, ¿a qué tamaño?, ¿cómo componer, alinear y espaciar todas esas letras, palabras y párrafos? Una guía que nos enseña a movernos con imaginación dentro del conjunto de normas tipográficas y nos orienta sobre cuándo es conveniente romperlas.

Tim Burton es uno de los cineastas más insólitos del cine actual. Los protagonistas de sus películas son desarraigados, introvertidos, melancólicos, outsiders, viven una dualidad existencial entre su mundo interior y la realidad exterior. Sus personajes reflejan las experiencias del director durante su infancia, adolescencia y también a lo largo de su vida adulta, especialmente en el ámbito profesional. De pequeño, Burton vivió aislado, encerrado en su habitación, donde veía películas de terror y dibujaba seres monstruosos. De mayor, él siempre se ha considerado un director ajeno a la industria de Hollywood: forma parte de ese entramado cinematográfico pero se siente extraño en él. El libro que ahora tienes en tus manos estudia el cine de Tim Burton desde la perspectiva de su outsider protagonista, atendiendo especialmente a sus películas más emblemáticas y personales.